Posts

foto: divulgação Leões de Israel | ilustração: Hiro Kawahara

Projeto brasileiro de reggae inclui as crianças

Seguindo o exemplo de  “The Disney Reggae Club”, “B Is For Bob” e “Family Time” – sobre os quais falamos em “Reggae: música boa (também) para crianças” – a banda brasileira Leões de Israel está lançando o projeto Reggae Little Lions, dedicado aos pequenos.

Leões de Israel: banda já acumula quatorze anos de estrada.  |  foto: divulgação Leões de Israel

Leões de Israel: banda já acumula quatorze anos de estrada.

A banda, uma das mais importantes no cenário do reggae nacional, existe desde o ano 2000, tendo lançado três álbuns. Além de várias turnês pelo Brasil, em 2006 os Leões de Israel participaram do “Rebel Salute Festival”, na Jamaica. Uma honra, pois foi a única banda brasileira de reggae a ser convidada em toda história do festival. A banda vem conquistando seu espaço e já acompanhou cantores como Gregory Isaacs, Clinton Fearon, Max Romeo e Marcia Griffiths.

Foi durante um show no Centro Cultural, em São Paulo que a ideia do projeto surgiu. Na ocasião, havia muitas crianças curtindo o show, cantando e dançando. Percebendo a energia das crianças e sua identificação com a sonoridade das músicas, Edu Sattajah, baixista e Thyago Braulio, produtor, começaram a pesquisar e não encontraram por aqui nada semelhante aos projetos internacionais, destinados às crianças.

Edu Sattajah, um dos idealizadores do Reggae Little Lions.  |  foto: divulgação

Edu Sattajah, um dos idealizadores do Reggae Little Lions.

O grupo quis ir além e elegeu a acessibilidade como um dos diferenciais do projeto. Assim, o show Reggae Little Lions terá tradução em LIBRAS (Linguagem Brasileira de Sinais, utilizada para a comunicação dos deficientes auditivos) e também um “shake”, espécie de plataforma que transmite a vibração das ondas sonoras, permitindo que o público possa, de fato, sentir a música.

Para dar ainda mais graça a essa ideia tão legal, o ilustrador Hiro Kawahara (autor, entre outros trabalhos, de muitas toalhinhas de bandeja do Mc Donald’s) criou um pequeno leão para ser o símbolo do projeto. Tudo muito bem pensado e feito com carinho e respeito.

É isso. Boas ideias devem mesmo ser imitadas e, se possível, aprimoradas. Nesse caso, todas as crianças e em especial aquelas com deficiência auditiva, serão incluídas e beneficiadas. O show será gratuito e acontecerá no próximo dia 7 de junho, às 16 horas, na Praça Victor Civita, em Pinheiros, São Paulo.

Local: Praça Victor Civita
Endereço: Rua do Sumidouro, 580 – Pinheiros, São Paulo – SP, 05428-070
Telefone: (11) 3031.3689
Como chegar: ao lado do Terminal Pinheiros (Rua Gilberto Sabino, s/n – Pinheiros), da Estação Pinheiros do Metrô (Linha 4 – Amarela) e da Estação Pinheiros da CPTM (Linha 9 – Esmeralda).

Ouça à playlist com músicas da banda Leões de Israel:

Jah9, uma das representantes da nova geração do reggae jamaicano. | foto: divulgação Jah9

O lugar da mulher na música jamaicana – parte 2

Atualmente, há na Jamaica uma nova safra de cantores e bandas de reggae lançando um outro olhar sobre o roots reggae. O auge do roots reggae aconteceu nos anos 1970, com grande influência espiritual do movimento rastafári e nomes como Johnny Clarke, Cornell Campbell, Bob Marley, Peter Tosh, Burning Spear e bandas como Black Uhuru, Steel Pulse e Culture.

Respeitar o passado, ter algo a dizer nas letras, tocar ao vivo e trabalhar de forma colaborativa com outros artistas. Essas regras são a base do trabalho da nova geração que, antes de simplesmente reeditar o passado, quer escrever seu presente de forma significativa. Chronixx, Protoje e a banda Raging Fyah são alguns exemplos.

No que se refere à presença feminina, se antes poucas mulheres se destacaram, hoje, Jah9, Etana, Sevana e Xana Romeo são algumas das cantoras que, seguindo essa mesma linha, têm ganho espaço e respeito no contexto do novo roots reggae.

As mulheres que são "a cara" do novo roots reggae jamaicano. | fotos: reprodução internet

As mulheres que são “a cara” do novo roots reggae jamaicano. | fotos: reprodução internet

Jah9 – ou Janine Cunningham – cantava desde criança mas, na universidade, com os amigos rastafári, encontrou lugar para sua poesia e suas ideias. A carreira propriamente dita começou em 2011, quando lançou os singles “Keep Holding On” e “Warning”. Em 2013, após mais alguns singles, lançou o álbum “New Name”. Nele, há canções que falam de temas como a hipocrisia autoritária (Intention e Preacher Man), ou que fazem referência à viagem psicológica provocada pelo uso da “erva sagrada” (Taken Up). A favorita do público, Avocado, é uma canção leve e divertida, sobre uma garota, inspirada em seu dia a dia pelas ideias rastafáris (assista ao clipe abaixo).

Nascida em 1983, assim como Jah9, Etana também gostava de cantar quando menina. Aos nove anos, mudou-se para os EUA com a família e lá chegou a fazer parte de um grupo vocal chamado Gift, no início dos anos 2000. Contudo, ela não se sentia à vontade com as demandas da indústria da música, que incluíam o uso de roupas sexy e letras sem grande profundidade. De volta à Jamaica, em 2005 Etana tornou-se backing vocal do cantor Richie Spice. Seu sucesso era tanto, que foi encorajada a iniciar carreira solo. Primeiro, gravou o single “Wrong Address”, de sua autoria e em 2008, lançou seu álbum de estreia, “The Strong One”. Curiosamente, seu nome verdadeiro é Shauna McKenzie e Etana é um nome em Swahili que significa “the strong one”. Etana lançou, posteriormente, mais três discos: “Free Expressions” (2011), “Better Tomorrow” (2013, gravado no Tuff Gong Studios) e “I Rise” (2014).

Sevana Siren tem 23 anos e é uma das grandes promessas da temporada. Nascida numa zona rural, Sevana diz inspirar-se em todos os lugares, todas as pessoas e todas as coisas. Além de cantar, também compõe e tem um estilo definido como indie-reggae. Ela gravou apenas dois singles, “Chant It” (2013) e “Bit Too Shy” (2014), mas, certamente, vale a pena acompanhar seus próximos passos.

Finalmente, a jovem Xana Romeo, de apenas 21 anos e filha do veterano cantor de reggae Max Romeo. Em 2014, Max lançou um disco chamado “Father & Sons”, juntamente com seus dois filhos adolescentes, Romario e Ronaldo, ou Rominal (grande dupla!). Agora, é a vez da filha, cuja linda voz tem gerado grandes expectativas. Ela já lançou dois singles: em 2014, “No Love” e em 2015, “Righteous Path” (ouça abaixo).

É bom perceber que a nova geração do roots reggae tem mulheres na linha de frente e não apenas nos backing vocals. Melhor ainda, elas têm muito a dizer e a cantar. Essas meninas prometem!

Assista ao clipe “Reggae”, da cantora Etana:

foto: reprodução internet

Reggae Legends: Lee “Scratch” Perry

Lee “Scratch” Perry é, sem dúvida alguma, a figura mais excêntrica de toda a história do reggae. Ao longo dos anos, seu comportamento incomum e errático foi largamente compensado por um notável instinto artístico, que deu novas dimensões à sonoridade do reggae, especialmente o dub. Sua carreira produtiva, cujo auge se deu entre o final da década de 1960 e final de 1970, ultrapassou a marca dos sessenta álbuns e chegou a quase quatrocentos singles, considerando suas atuações como artista e produtor. Muitas destas canções figuram até hoje em álbuns por todo o mundo.

foto: reprodução internet

Perry: talento para produção musical que o levou a um caminho sem volta em direção à inovação sonora.

Lee “Scratch” Perry nasceu em Hanover, uma paróquia ao noroeste da Jamaica, em 1936, sob o nome Rainford Hugh Perry. Aos vinte anos ele operava uma escavadeira em um canteiro de obras, experiência através da qual descobriu, segundo ele, o poder do som. Sua introdução na indústria da música se deu  pelas mãos do produtor Duke Reid que, ainda segundo Perry, não o deixava gravar mas roubou algumas de suas composições e as deu para outro cantor, chamado Stranger Cole. A Lee Perry, nem os créditos e nem tampouco a compensação financeira. Nós poderíamos até especular sobre qual rumo sua carreira teria tomado a partir de então, se suas experimetações como produtor, mais tarde, não tivessem ganhado destaque inversamente proporcional à sua iniciação artística como cantor. Embora empregasse suas características vocais com personalidade e convicção, sua voz era muito frágil e faltava nela a textura típica de cantores convencionais como John Holt (ex-vocalista do Paragons), cuja influência de R&B continha muito mais apelo comercial. Perry, então, resolveu dedicar-se à produção de peças instrumentais, que por sua vez o levaram por um caminho sem volta em direção à inovação sonora.

Perry viria a estabelecer, mais tarde, uma conexão com o produtor do Studio One, Coxsone Dodd, trabalhando primeiro como “selector” no sound system Downbeat para, logo em seguida, assumir um importante papel criativo no selo Studio One, um dos mais emblemáticos da época. Lee Perry acumulava várias funções por lá, ainda que não recebesse os devidos créditos por suas múltiplas atividades como cantor, compositor e produtor musical. Foi ele o responsável por apresentar a Coxsone Dodd uma grande quantidade de artistas que viriam a se tornar referências para a gravadora e para a própria música jamaicana, além de ter gravado inúmeros singles como artista solo, às vezes sob o nome King Perry. Os singles “Rub & Squeese” e “Doctor Dick”, ambos de 1966, mostraram pela primeira vez o estilo lascivo das letras de Perry ao reino da música popular jamaicana, ainda sob o gênero dominante na ilha naquele período: o calypso. Naquela época, poucos poderiam imaginar que Perry já havia sido um “homem de família”, casado por um breve período no final da década de 1950 e aparentemente a caminho de uma vida serena e uma existência modesta e até apática. Há quem diga que foi justamente a desilusão com este relacionamento que motivou sua nova visão de mundo, sobretudo em relação às mulheres, o que acabou norteando o comportamento controverso que ele demonstrou ao longo de sua trajetória.

foto: reprodução internet

Lee Perry: começo difícil e parcerias com diversos outros produtores para, em seguida, lançar-se como produtor independente.

Sem ter um salário para chamar de seu e muito menos qualquer participação em “royalties” sobre as músicas que produzia – prática muito comum na indústria musical jamaicana naquela época, Perry deixou o Studio One entre 1966 e 1968 para trabalhar com inúmeros outros produtores, incluindo Prince Buster e Joe Gibbs. Em 1968, uma nova mudança de rumos seguida de outra decepção: após decidir trabalhar como produtor independente para o selo West Indies Records, foi demitido por não conseguir produzir grandes hits. Uma de suas gravações mais conhecidas nesta fase foi “Set Them Free” (ouça abaixo), de 1969, gravada sob o nome Lee Perry & The Defenders. A música era uma resposta um tanto provocativa a um personagem criado por Prince Buster, chamado Judge Dread, que costumava condenar os chamados rude boys a 400 anos de prisão na música de mesmo nome. Perry criou, então, o personagem Lord Defender, que saía em defesa dos rude boys e tentava os livrar da sentença que considerava injusta, dadas as condições sociais e econômicas às quais estavam submetidos.

Lee Perry, aliás, tomou quase como um hábito direcionar ataques incisivos aos seus ex-empregadores em várias de suas gravações, incluindo os notáveis Prince Buster, Coxsonne Dodd, Joe Gibbs e Bunny Lee. O single “I Am The Upsetter” – termo que logo tornou-se mais um de seus famosos apelidos – foi pensado para ser um ataque direto a Coxsone Dodd, a quem atribui a culpa por ter prejudicado e alienado diversos artistas e produtores com os quais havia trabalhado valendo-se de acordos e negociações obscuras. O primeiro hit produzido por Perry, “People Funny Boy”, de 1968, tratava especificamente de Joe Gibbs, embora pudesse descrever muitas outras situações insatisfatórias, nas quais sua contribuição artística fora subvalorizada. Perry trabalhou com Gibbs como produtor e arranjador, até que as intrigas em virtude de disputas financeiras – que viria a se tornar uma marca registrada da indústria jamaicana – os levassem à separação. Segundo estimativas, “People Funny Boy” vendeu mais de 30 mil cópias, um número bastante razoável para os padrões da indústria à época. É irônico que Lee Perry tenha investido tanta energia em criticar modelos de negócios alheios, considerando que ele mesmo futuramente viesse a se envolver em transações duvidosas enquanto trabalhava com o The Wailers, a banda dos futuros “superstars” do reggae Bob Marley, Peter Tosh e Bunny Wailer. Alegando necessidade financeira, ele licenciou material da banda, supostamente sem autorização, para diversos selos internacionais.

foto: reprodução internet

O genial Lee Perry à época do The Upsetters: talento musical inquestionável.

Antes dos conflitos com o The Wailers, porém, Lee Perry alcançou sucesso internacional com aquela que foi sua mais conhecida banda de estúdio, o The Upsetters (antes conhecida como Hippy Boys) provando que sua excentricidade tinha valor comercial global. O instrumental “Return Of Django”, inspirado nos filmes de velho-oeste italianos que faziam a cabeça dos jamaicanos naqueles tempos, foi um desses hits e invadiu as paradas de sucesso britânicas, alcançando a quinta posição no ranking das mais tocadas, em 1969. O sucesso da música se deve em parte à sua aceitação pelos “skinheads”, jovens britânicos da classe trabalhadora, brancos, que raspavam suas cabeças e rejeitavam o estilo de vida tradicional. Perry ainda daria outra grande contribuição à música jamaicana, ao produzir as primeiras gravações de U-Roy, o pioneiro DJ jamaicano que, mais tarde, viria a conquistar seu próprio espaço.

foto: reprodução internet

Os irmãos Aston (à esquerda) e Carlton Barret, à direita de Bob Marley. Sob a direção de Lee Perry, eles gravaram juntos pela primeira vez.

Foi sob a direção de Perry que os vocalistas do The Wailers gravaram pela primeira em companhia dos irmãos Carlton e Aston Barret, que viriam a se tornar uma das sessões rítmicas de baixo e bateria mais importantes de toda a história da música jamaicana. Eles já haviam integrado o grupo The Upsetters em sua formação original, mas passaram a dedicar-se em tempo integral ao The Wailers após Lee Perry abrir seu estúdio, o Black Ark, em 1973. “Duppy Conqueror”, de 1970, foi uma dos primeiros hits resultantes da promissora parceria entre Lee Perry e The Wailers. Outras inúmeras sessões, gravadas anteriormente no Studio One, produziram algumas peças-chave para o futuro repertório  do grupo, incluindo “Sun Is Shinning”, “Small Axe” e “Kaya”, todas elas gravadas no período entre 1970 e 1971. É bem verdade que algumas destas sessões resultaram em vários álbuns lançados na Inglaterra (com material não autorizado) pela Trojan Records, como é o caso de “Soul Rebels” (1970), Soul Revolution (1971) e African Herbsman (1974), sendo que este é apenas um exemplo da complexa e conturbada relação entre os Wailers e Perry, a quem acusam de frequentemente não lhes pagar devidamente pelas obras.

O primeiro álbum de Perry com experimentações de dub foi “Cloak & Dagger”, lançado entre 1972 e 1974, não se sabe ao certo. O disco trazia bases de algumas faixas produzidas anteriormente com sua banda, o The Upsetters, e possuía diferentes versões para os mercados inglês e jamaicano. Embora não fosse propriamente um disco de dub, aquele foi certamente um dos primeiros passos nesta direção e poderia até ser considerado inovador para a época, já que as faixas dub foram cortadas da versão original jamaicana para o lançamento na Inglaterra, resultando em fracasso comercial. O próximo disco, “Rhythm Shower” (1973), foi lançado apenas na Jamaica e até hoje é considerado item raro.

foto: reprodução internet

King Tubby, engenheiro de som jamaicano e parceiro fundamental de Lee Perry em algumas das primeiras produções de dub.

Perry logo passou a integrar um seleto grupo de produtores, a exemplo de Bunny Lee, investiu em equipamento de estúdio e incorporou técnicas de mixagem dub com o então renomado engenheiro de som King Tubby, considerado até hoje um dos pais do gênero. “Blackboard Jungle Dub”(1973) é o primeiro resultado de uma bem-sucedida parceria entre eles (que apesar da relação de proximidade desenvolveram técnicas e estilos bastantes diferentes ao longo dos anos). Uma raridade em termos conceituais para o reggae e considerado por muitos um clássico do “early dub”, o disco foi lançado em edição limitada e a um preço acima da média do mercado. Embora não tivesse perfil para integrar o “mainstream” britânico, o disco garantiu a Perry margem de lucro muito acima da média para artistas de qualquer gênero à época.

Perry costumava gravar suas faixas em alguns dos mais conhecidos estúdios da Jamaica, como o Randy’s e o Dynamic Sounds. No final de 1973, decidiu montar seu próprio estúdio, o Black Ark, no quintal de sua casa, em Kingston. Um dos principais motivos que o levaram à empreitada foi justamente a insatisfação em relação aos outros estúdios, que não investiam em “upgrades” de seus equipamentos, o que acabava por limitar as suas criações. Ter seu próprio estúdio significava ter poder para moldar sua criatividade musical e seu próprio destino na indústria da música. Segundo alguns relatos, o primeiro equipamento de Perry, um engenhoso sistema de gravação em quarto canais, foi construído por King Tubby, que além de excelente engenheiro de som era também um exímio conhecedor de eletrônica. Perry ainda contou com a colaboração de Errol E. T. Thompson, engenheiro de som que já havia realizado diversos trabalhos no Randy’s Studio e cujas obras continham grande valor e influência.

foto: reprodução internet

Lee “Scratch” Perry em ação no seu lendário estúdio Black Ark, em 1973.

Muito além de simples vitrine para o seu trabalho, o Black Ark era em si mesmo uma espécie de “teia de ideias” para a criatividade de Perry. Suas paredes eram repletas de fotos, figuras e símbolos escritos à mão que não pareciam fazer sentido algum, o que deu margem a especulações sobre sua saúde mental. Mais que um estúdio, o local tornou-se um museu audiovisual para Lee Perry, cujo senso empresarial permaneceu intacto: ele passou a vender inúmeras produções exclusivas em forma de “dubplates” para importantes “soundsystems” de Londres, e costumava trocar algumas obras por roupas e outros suprimentos.

foto: reprodução internet

O disco Super Ape (1976), primeiro álbum de Lee Perry lançado pela Island Records.

Além dos avanços com o estúdio, um acordo de licenciamento com a Island Records, em 1976, conferiu grande exposição à sua música, que agora contava com uma audiência sensivelmente maior. Em meados de 1970, a Island Records já havia se posicionado na vanguarda do reggae. Antes disso, porém, Lee Perry era o responsável por quase a totalidade das produções, gravações, prensagens, vendas e distribuição dos discos produzidos em seu estúdio. O influente “Super Ape”, de 1976, foi um dos primeiros lançamentos a serem beneficiados pelo acordo de produção e distribuição com o selo britânico. Graças à parceria com a Island Records, Lee Perry podia finalmente contar com uma audiência global e mostrar toda sua excentricidade ao mundo, apesar de vários (bons) discos produzidos no lendário Black Ark terem ficado em relativa obscuridade.

A aliança com a Island ainda possibilitou que Perry fizesse os devidos “upgrades” em seu equipamento de estúdio, podendo fazer ainda mais experimentações que, por sua vez, nem sempre resultaram em sucesso comercial. Houve quem dissesse que a inconsistência da vida pessoal de Perry começava a ficar evidente em sua obra, e que aquilo era um prenúncio de uma inequívoca e preocupante perda de foco.

Contrariando mais uma vez as expectativas, ele manteve-se engajado e logo veio a produzir outros grandes feitos. O single “Police & Thieves”, do cantor jamaicano Junior Murvin, uma das produções mais memoráveis de Lee Perry naquele período, alcançou boas posições nas paradas britânicas, e o mesmo se pode dizer de “Hurt So Good”, da cantora britânica Susan Cadogan (ouça abaixo), que emplacou o top 5 e vendeu em torno de 250 mil cópias.

Ele continuava acumulando hits, como já era o caso de “Curly Locks”(1973) com Junior Byles e “War Inna Babylon”, de Max Romeo, lançado pela Island em 1976. Poderia ter ficado limitado ao universo do reggae e não chegar ao mercado pop “mainstream”, se não tivesse produzido material para o ábum de estreia da banda de punk rock britânica The Clash, em 1977. Naquele mesmo ano, juntou-se a Bob Marley nos estúdios da Island, em Londres, para produzir a faixa “Punky Reggae Party”, uma declaração simbólica de alinhamento dos ideais “anti-establishment” dos punk rockers britânicos e dos dreads jamaicanos. Ainda em 1977, Perry reforçou sua vocação para a indústria pop ao produzir material para o album “Wide Prairie”, da então esposa de Paul McCartney, Linda McCartney (registro que só foi lançado em 1998, após sua morte).

foto: reprodução internet

O disco de estreia do grupo de punk rock britânico The Clash (1977), contou com Lee Perry na produção e abriu novos horizontes de mercado para o produtor.

Seguiram-se outros projetos de grande valor artístico, porém, em razão de uma opção da Island em não lançá-los, Lee Perry viu o alcance de sua obra diminuir drasticamente. Sua relação com a gravadora britânica ruiu, assim como sua capacidade de quebrar padrões musicais gozando de reconhecimento comercial. O som produzido no Black Ark tornava-se cada vez mais estranho aos ouvidos, sua música era considerada cada vez mais inacessível, parecendo refletir suas batalhas psicológicas. A despeito de seus acordos comerciais com a Island, o selo acabou por marginalizar o seu trabalho, e várias de suas gravações solo – nas quais havia investido muito financeira e criativamente – não foram lançadas internacionalmente. O selo Trojan Records, no qual havia concentrado grande parte de seu material, também passava por grandes dificuldades e isso só ajudou a piorar a situação. Vários outros fatores contribuíram para um comportamento cada vez mais turbulento, e sua produtividade declinou no final da década de 70, à medida que o Black Ark guadualmente se desintegrava.

No início de 1983, o Black Ark foi consumido por um incêndio deflagrado por seu próprio criador, pondo fim a um dos maiores templos do dub jamaicano da história. Para alguns, Perry era apenas um personagem, inventado por ele próprio, que se fazia de louco para desviar a atenção dos criminosos num período de efervescência sociopolítica que dominava a Jamaica. Para outros, ele era em si mesmo uma personificação de suas criações musicais, um cérebro em constante estado de implosão psíquica. Ele alega que os motivos para o incêndio ao Black Ark estão relacionados às substâncias que usava enquanto produzia seus dubs. Ele cita os cigarros, carne, álcool (especificamente rum) e ganja (maconha) como sendo os agentes químicos fundamentais para o incidente. Certa vez, afirmou que não mais se identificava com o lugar onde as músicas foram criadas, já que não fazia mais uso das substâncias que alteravam seu estado de consciência. Em vez disso, agora voltaria a produzir o que chamou de “simple clean music”, músicas não afetadas pelo que passou a considerar como estimulantes negativos para a mente e o corpo. Mas muito embora ele tenha acenado com a possibilidade de um equilíbrio mental, suas falas nas entrevistas ainda permaneciam enigmáticas e misteriosas, desafiando a um entendimento real de seu significado.

foto: reprodução internet

Black Ark: local repleto de fotos, figuras e símbolos escritos à mão, por onde passaram grandes nomes da música jamaicana e mundial.

Seu trabalho após o fim da era Black Ark mostrou-se inconsistente, tanto em termos de qualidade quanto de direção, e parecia refletir seu sentimento de inquietação e deslocamento após deixar a Jamaica, em 1984. De lá pra cá, ele viveu entre Londres e Nova Iorque até se estabelecer na Suíça por volta de 1989. Uma vida familiar, muito distante do ambiente que deu origem à sua carreira e lhe mostrou o caminho rumo ao estrelato internacional.

Ouça abaixo alguns hits produzidos por Lee “Scratch” Perry: